Reorientasi Pembelajaran Seni di Kelas

Jika sebuah kelas mengajarkan cara menggambar, melukis, bermusik, atau membuat karya seni, maka guru mengajarkan siswa untuk mengikuti cara-cara tersebut. Keterampilan teknis ini sering ditemukan di sanggar atau studio seni, dan cara-cara ini merupakan bagian dari kurikulum pendidikan seni. S

ebagian besar pendidikan seni memang berfokus pada pengajaran keterampilan teknis dengan pendekatan logis. Kelas-kelas ini sering menawarkan metode pembelajaran langsung, langkah demi langkah, dan berbasis ceramah, yang mengajarkan hal-hal seperti perspektif, bayangan, anatomi, pencahayaan, serta unsur dan prinsip rupa.

Pola pembelajaran ini lebih menekankan pada sisi intelektual dan logis manusia, yaitu sisi yang menyukai kategori, aturan, dan proses linear yang telah terbukti efektif.

Mengajar atau mengikuti kelas yang berfokus pada keterampilan teknis memang lebih mudah, dan kelas seperti itu sering diminati karena memberikan solusi cepat dan sederhana. Banyak orang hanya ingin diberi tahu dengan jelas bagaimana melakukan sesuatu tanpa harus melalui proses panjang atau rumit.

Namun, belajar untuk membentuk diri, apalagi menciptakan karya seni yang asli dan orisinil, tidaklah sesederhana itu. Metode pengajaran yang hanya berfokus pada peningkatan keterampilan teknis tidak akan cukup untuk membantu siswa berkembang menjadi seorang seniman sejati.

Gaya mengajar ini juga tidak akan mendukung perjalanan mereka dalam mengenal diri mereka sebagai seorang seniman, yang melibatkan eksplorasi, eksperimen, dan pengembangan kreativitas.

Memahami Perjalanan Kreatif Siswa menjadi seniman

Pendidikan seni rupa bukan hanya tentang mempelajari teknik menggambar atau melukis. Lebih dari itu, seni adalah perjalanan panjang yang melibatkan penemuan diri, keberanian untuk bereksperimen, dan kemampuan untuk menerima ketidaksempurnaan.

Setiap pelajaran seni lebih dari sekadar mengajarkan cara membuat karya seni; ada proses yang lebih mendalam yang mengarah pada bagaimana seseorang bisa menjadi seniman sejati.

Namun, bagian ini tidaklah mudah. Pembelajaran yang terlalu fokus pada keterampilan teknis dan logika, sementara siswa belum menemukan cara untuk menciptakan seni yang orisinal dan murni dari dalam diri mereka, justru dapat menghambat perkembangan dan kemajuan mereka sebagai seniman. Mengandalkan aturan dan teknik tanpa menyentuh sisi kreatif mereka hanya akan membatasi potensi seni yang bisa mereka hasilkan.

Dalam konteks ini, siswa sering kali diajarkan untuk mengikuti aturan dan menyalin hal-hal berdasarkan logika otak, bukannya menggali sisi kreatif mereka. Kita cenderung mengikuti aturan dan meniru apa yang sudah ada berdasarkan pemikiran logis.

Namun, seni yang benar-benar baru dan asli tidak dapat tercipta hanya dengan menggunakan logika. Untuk itu, kita perlu mengakses sisi lain dari diri kita, yaitu sisi kreatif dan imajinatif.

Seperti yang diungkapkan oleh Albert Einstein dalam wawancaranya dengan The Saturday Evening Post pada tahun 1929, "imajinasi lebih penting daripada pengetahuan, karena pengetahuan terbatas, sedangkan imajinasi mencakup seluruh dunia, merangsang kemajuan, dan melahirkan evolusi." Imajinasi memberi kita kemampuan untuk membayangkan kemungkinan-kemungkinan baru, menginspirasi ide-ide segar yang melampaui pemahaman kita saat ini, dan membuka jalan bagi kreativitas yang belum terungkap.

Pembelajaran untuk menjadi seorang seniman seharusnya tidak hanya fokus pada keterampilan teknis dan aturan yang logis. Sebaliknya, perhatian perlu beralih ke sisi kreatif otak, yang memiliki kemampuan luar biasa untuk menghubungkan hal-hal yang sebelumnya tampak tidak terkait.

Sisi kreatif ini memungkinkan pola-pola baru muncul, berimajinasi, bermain dengan ide, dan bereksperimen. Ia juga mengajarkan untuk menerima ketidakpastian dan tidak terhalang oleh kritik batin atau ketakutan akan kegagalan.

Melalui kesalahan dan proses yang dijalani, setiap langkah dalam perjalanan kreatif menjadi lebih bermakna. Sisi kreatif ini mendorong seseorang untuk keluar dari zona nyaman dan mencoba hal-hal baru, yang akhirnya menghasilkan karya seni yang benar-benar asli dan unik.

Dengan demikian, tentu saja, setiap siswa memiliki preferensi dalam cara mereka menggambar. Jika mereka merasa nyaman dengan cara tersebut, tentu mereka akan melakukannya dengan cara yang sama. Namun, hal ini tidak berarti cara mereka adalah yang terbaik untuk orang lain.

Setiap individu itu unik, dan setiap siswa berhak untuk menciptakan seni dengan cara yang sesuai dengan diri mereka sendiri, yang mencerminkan keunikan dan ekspresi pribadi mereka.

Siswa berhak mendapatkan kesempatan untuk menciptakan karya seni mereka sendiri, dan inilah esensi dari pendidikan yang membebaskan. Guru tidak dapat langsung mengajarkan siswa bagaimana membuat karya seni, karena setiap individu hanya tahu cara terbaik untuk mengungkapkan seni mereka sendiri.

Paulo Freire, dalam bukunya Pedagogy of the Oppressed (1970), mengajarkan bahwa pendidikan yang membebaskan bukanlah pendidikan yang mengandalkan pengajaran top-down, melainkan lebih pada memfasilitasi siswa untuk menemukan potensi mereka sendiri. Dalam hal ini, peran guru adalah sebagai fasilitator yang membantu siswa menemukan gaya seni mereka sendiri, bukan hanya mengajarkan teknik yang harus diikuti.

Dalam konteks pendidikan seni, ini berarti guru tidak mengajarkan siswa untuk menggambar dengan cara yang sama seperti dirinya, tetapi mengajarkan siswa untuk menemukan cara mereka sendiri dalam berkarya. Konsep ini sejalan dengan pemikiran Carl Jung tentang Individuation (1935), yaitu proses individu untuk mencapai keutuhan diri yang sejati, sebuah perjalanan untuk menjadi diri sendiri yang unik dan otentik.

Dalam seni, ini berarti membebaskan diri dari pengaruh eksternal dan menemukan suara kreatif yang sejati. Proses ini mengharuskan kita untuk berani mengeksplorasi dan melampaui batasan, yang merupakan bagian penting dalam perjalanan seorang seniman. Dengan demikian, siswa tidak hanya belajar teknik, tetapi juga belajar untuk memahami dan menghargai proses kreatif, yang jauh lebih mendalam dan berharga daripada hasil akhir.

Saat kita mengikuti pembelajaran seni, sering kali kita hanya diajarkan teknik-teknik dasar seperti cara menggambar dengan perspektif yang tepat, cara memadukan warna, atau cara membuat bayangan yang realistis. Semua ini adalah aspek teknis yang penting dalam menciptakan karya seni.

Namun, pendidikan seni yang sesungguhnya jauh lebih dalam daripada sekedar langkah demi langkah yang bisa diajarkan. Menurut Teori Flow dari Mihaly Csikszentmihalyi (1975), flow adalah keadaan mental optimal yang dicapai ketika ada keseimbangan antara tantangan dan keterampilan individu, yang mengarah pada fokus, keterlibatan penuh, dan kenikmatan dalam melakukan suatu aktivitas.

Dalam kesenian, Pencapaian tertinggi dalam seni dicapai ketika individu berada dalam kondisi flow, yaitu kondisi mental dimana seseorang sepenuhnya tenggelam dalam aktivitas kreatif. Flow hanya dapat dicapai jika individu tidak hanya terfokus pada teknik, tetapi juga sepenuhnya menikmati proses penciptaan.

Pendidikan seni yang hanya mengajarkan teknik tidak memberikan kesempatan bagi siswa untuk merasakan pengalaman flow ini, yang pada gilirannya membatasi potensi kreatif mereka.

Menjadi seorang seniman, tidak hanya mempelajari teknik untuk meniru karya orang lain, tetapi yang lebih penting adalah menemukan cara unik untuk berkreasi. Setiap orang memiliki gaya dan style seni yang berbeda, dan perjalanan untuk menemukannya adalah hal yang harus dihargai dalam pendidikan seni.

Perjalanan setiap individu untuk menjadi seorang seniman itu unik dan berbeda. Jika mencoba mengikuti langkah-langkah seniman persis, gaya yang ditemukan tidak akan autentik atau sesuai dengan diri sendiri, melainkan akan mengadopsi gaya seniman tersebut.

Namun, dalam prosesnya, terdapat faktor-faktor umum seperti potensi, kualitas, dan hambatan universal yang muncul dalam perjalanan seni setiap individu. Meskipun tidak ada jalan pintas, pil ajaib, atau sistem tiga langkah rahasia, proses penemuan seni dapat diajarkan dengan fokus pada faktor-faktor umum tersebut.

Benih-benih kualitas ini sebenarnya sudah ada dalam diri setiap orang, namun sering kali terlupakan, hilang, atau terabaikan seiring berjalannya waktu. Hal ini sering terjadi karena banyak dari kita yang kesulitan mengatasi hambatan-hambatan umum seperti rasa takut gagal, keraguan diri, atau ketidakmampuan untuk menerima kritik.

Hambatan lainnya termasuk kecenderungan untuk menilai karya seni terlalu cepat, kesulitan dalam menemukan suara kreatif yang autentik, atau ketergantungan pada teknik-teknik yang sudah dikenal tanpa berani bereksperimen. Hambatan-hambatan ini, meskipun wajar, sering kali menghalangi perkembangan kreatif.

Keberanian Dalam Berkarya                                                                  

Kebanyakan siswa mulai menilai karya mereka terlalu cepat dalam perjalanan kreatifnya. Mereka berharap bisa langsung menghasilkan karya yang brilian dan sempurna. Ketika melihat karya awal, sering kali mereka membandingkannya dengan karya seniman berpengalaman yang sudah bertahun-tahun berkarya.

Padahal, perjalanan seorang seniman membutuhkan waktu, eksperimen, dan kegagalan berkali-kali. Karya-karya tersebut pun sering diperlihatkan kepada guru, orang tua, atau teman-teman yang kritis, dan menerima kritik yang keras, samar, atau merusak. Hal ini membuat mereka khawatir bahwa ide yang dihasilkan tidak cukup bagus dan mereka tidak akan pernah menjadi seniman.

Karya awal mungkin terasa canggung dan tidak sempurna, tetapi itu adalah bagian dari proses. Kesalahan dan kegagalan adalah hal yang tak terhindarkan dalam perjalanan ini. Perlu dipahami bahwa karya yang buruk dan kesalahan adalah bagian penting dari proses kreatif.

Kesempurnaan bukanlah tujuan utama, melainkan fokus utama adalah pada pertumbuhan. Kita harus menerima kenyataan bahwa karya akan terasa canggung dan mungkin memalukan untuk sementara waktu. Penting untuk siap membuat kesalahan, memberi kesempatan untuk berkembang, dan yang terpenting, bersabar dalam setiap langkahnya.

Memang Perjalanan untuk menjadi seorang seniman tidaklah mulus. Banyak yang mengharapkan untuk langsung membuat karya yang sempurna sejak awal, namun kenyataannya, karya pertama sering kali terasa canggung atau bahkan buruk.

Itu adalah bagian dari proses dan diperlukan pola pikir berkembang seperti diperkenalkan Carol Dweck tentang The Growth Mindset (2006) berupa keyakinan bahwa kemampuan atau bakat seseorang dapat terus berkembang melalui usaha, pembelajaran serta ketekunan, dan individu dengan pola pikir berkembang cenderung melihat tantangan sebagai peluang, melihat kesalahan dan kegagalan sebagai bagian dari proses pembelajaran, bukan kegagalan permanen yang kiranya memudahkan seseorang untuk menerima ketidaksempurnaan dan terus berusaha berkembang. Ini sangat relevan dalam seni, di mana kesalahan dan kegagalan adalah bagian penting dari eksperimen dan eksplorasi dalam penciptaan.

Seni adalah tentang eksperimen dan eksplorasi, kita tidak bisa langsung menjadi ahli tanpa melalui kesalahan dan kegagalan. Ini adalah bagian dari perjalanan yang harus diterima. Sebagai seorang pemula perlu belajar untuk merayakan setiap karya, tidak peduli seberapa tidak sempurna itu. Setiap langkah kecil dalam proses penciptaan seni adalah bagian dari pembelajaran dan pertumbuhan.

Selain itu, tantangan terbesar bagi siswa sebagai pemula adalah menghadapi kritik. Ketika menghadapi kritik, Terutama saat karya pertama kali ditunjukkan kepada orang lain.

Kritik yang datang, meskipun dimaksudkan untuk membantu, sering kali bisa menjadi beban yang berat jika tidak diberikan dengan cara yang mendukung. Banyak siswa yang merasa tertekan dan meragukan kemampuan mereka setelah menerima kritik.

Namun, perjalanan seorang seniman bukan tentang mencapai kesempurnaan dalam setiap karya. Sebaliknya, tentang keberanian untuk terus mencoba, bereksperimen, dan tidak takut untuk gagal. Setiap kesalahan adalah pelajaran, dan setiap kegagalan adalah langkah menuju penemuan gaya seni yang unik. Demikian pernyataan Henri Matisse salah satu seniman terkenal, dimana Kreativitas membutuhkan keberanian. 

Dalam buku Rollo May, The Courage to Create (1975) menekankan bahwa tindakan kreatif memerlukan keberanian untuk menghadapi ketakutan dan keputusasaan, serta mengubahnya menjadi energi untuk membentuk hidup yang autentik dan bermakna. Ia berpendapat bahwa keberanian untuk menghadapi kritik dan kegagalan adalah bagian penting dari proses kreatif.

Proses penciptaan seni penuh ketidakpastian dan tantangan emosional, Sebagai seniman harus belajar menerima kritik dengan bijak, menggunakannya untuk tumbuh, dan tidak membiarkan ketakutan akan kegagalan menghalangi perjalanannya. Hal ini menekankan pentingnya ketahanan mental dalam menghadapi tantangan-tantangan dalam berkesenian.

Menggali Potensi Seni Dalam Diri  

Untuk menjadi seorang seniman, kita harus mengembangkan lebih dari sekadar keterampilan teknis. Adapun beberapa kualitas penting yang perlu dimiliki yaitu keberanian untuk bereksperimen dan mencoba hal-hal baru, keterbukaan untuk menerima ketidaksempurnaan dan belajar dari kesalahan, Kreativitas untuk menemukan ide dan konsep baru dalam karya seni, ketekunan untuk terus berlatih dan berkomitmen pada proses kreatif, dan kesabaran dalam menerima bahwa hasil yang memuaskan membutuhkan waktu. Orang dengan pola pikir demikian tidak takut gagal, melainkan melihatnya sebagai proses penting dan bagian dari perjalanan kreatif yang harus diterima.

Seniman yang sukses adalah mereka yang tidak hanya menguasai teknik, tetapi juga memiliki kemampuan untuk terus berkembang dan mengekspresikan diri mereka melalui karya seni. Dengan memiliki kualitas-kualitas tersebut, setiap seniman dapat melewati rintangan dalam perjalanan mereka dan terus mengeksplorasi potensi kreatif mereka.

Salah satu faktor kunci dalam perjalanan kreatif adalah dukungan. Seniman pemula membutuhkan lingkungan yang mendukung untuk berkembang. Itu bisa datang dari guru, teman, keluarga, atau komunitas seni yang memberikan dorongan dan motivasi. Sejalan dengan Lev Vygotsky dalam teori sosio-kulturalnya berpendapat bahwa perkembangan pembelajaran manusia berakar pada interaksi sosial dan budaya, bukan semata-mata proses internal individu.

Pembelajaran terbaik terjadi dalam konseks sosial yang mendukung. Dukungan dari lingkungan, seperti guru, teman, atau komunitas seni, sangat penting dalam perkembangan kreatif individu. Selain itu, Umpan balik konstruktif dan mendengarkan dorongan positif sangat penting membantu siswa sebagai pemula dalam mengembangkan keterampilan dan membangun rasa percaya diri dalam proses berkaryanya.

Dalam hal ini, patut diperhatikan bahwa dukungan dari lingkungan, Pemula membutuhkan dorongan dan penghargaan atas usaha mereka, bukan hanya penilaian yang kritis. Mereka perlu mendengar, "Kenapa tidak?" atau "Coba saja, itu bisa bekerja!" Alih-alih terjebak dalam kritik yang merusak, mereka harus mendapatkan dorongan untuk terus berkreasi dan berkembang.

Seniman yang merasa dihargai dan didorong akan lebih mungkin untuk terus mengeksplorasi dan mengembangkan kemampuan mereka. Tanpa dukungan ini, banyak yang akan terhenti di tengah jalan dan merasa mereka tidak cukup baik.

Setiap seniman memiliki perjalanan unik untuk menemukan gaya mereka sendiri. Tidak ada formula yang pasti untuk mencapainya. Itu adalah sesuatu yang ditemukan melalui eksplorasi, eksperimen, dan kesalahan.

Gaya seni yang dikembangkan adalah cerminan dari siapa seseorang sebagai individu, apa yang dirasakan, dipikirkan, dan dialami. Jangan terlalu khawatir untuk meniru seniman lain atau mengikuti tren yang ada.

Apa yang penting adalah menemukan cara unik untuk mengungkapkan ide dan emosi melalui seni. Ini adalah perjalanan yang memerlukan waktu, namun dengan komitmen dan dedikasi, gaya seni yang otentik akan terwujud.

Namun, dalam perjalanan ini, banyak siswa sebagai pemula yang terjebak dalam cara belajar yang lebih logis dan teknis karena kelas yang mengajarkan bagaimana cara menggambar atau melukis berdasarkan aturan dan langkah-langkah yang sudah terbukti efektif, tetapi hal tersebut hanya bagian dari perjalanan.

Ketika masih berada di awal perjalanan dalam berkesenian, mencoba untuk mengikuti aturan tersebut bisa menjadi hambatan. Apa yang lebih penting adalah belajar untuk mendengarkan suara kreatif kita sendiri, mengeksplorasi ide-ide baru, dan tidak takut untuk membuat kesalahan sebab seni bukan hanya tentang mengikuti aturan, tetapi tentang berani mengambil langkah baru dan menemukan cara baru untuk mengekspresikan diri.

Hadapi tantangan dan temukan diri untuk mencapai potensi penuh sebagai seniman dengan keberanian untuk menantang diri sendiri, mengeksplorasi, mencoba hal baru, dan menerima bahwa kesalahan adalah bagian dari perjalanan.

Tidak ada cara pasti untuk mencapainya,  bagian ini adalah sesuatu yang tidak bisa diajarkan oleh siapapun. Hanya individu itu sendiri yang bisa menemukan dan mengembangkan gaya seni mereka. Menggali potensi kreatif membutuhkan waktu, latihan, dan keberanian untuk terus mencoba. Dengan dukungan yang tepat dan komitmen untuk terus berkembang, gaya seni unik akan mulai terwujud, yang mencerminkan siapa diri sebagai seorang seniman.

Demikianlah, menjadi seorang seniman sejati adalah tentang perjalanan panjang untuk menemukan siapa diri sebagai kreator, yang melibatkan keberanian untuk mengeksplorasi, kesabaran untuk belajar dari kegagalan, dan ketekunan untuk terus berkembang.

Dalam pendidikan seni, pembelajaran seharusnya tidak hanya berfokus pada pengajaran teknikalitas semata. Guru perlu membantu siswa menemukan kreativitas mereka, mendukung mereka melewati tantangan, dan merayakan setiap langkah kecil dalam perjalanan mereka. Ketika seni dipahami sebagai sebuah perjalanan, bukan hanya tujuan akhir, potensi sejati sebagai seniman akan terbuka.

Penulis: Galang Mario, mahasiswa passarjana Pendidikan Seni Universitas Negeri Yogyakarta.